Arbeitsweise des Orchesters

Die künstlerischen Entscheidungen, die unsere ersten Konzerte geleitet haben
 
Während unserer ersten Residenz rund um Händels Messias interessierten wir uns für die Entstehungsbedingungen dieses mythischen Oratoriums: Für welche Besetzung wurde es geschaffen, für welche Sänger, für welchen Saal, für welches Publikum? Wie wurde es dirigiert? Hatte Händel einen Taktstock? Spielte er Orgel oder Cembalo? Wie wurde diese Musik gesungen? Welche Rolle spielte die Improvisation, die in der Barockzeit so wichtig war? In welchem Tempo wurde dieses Werk gespielt? All diese Fragen eröffnen eine Vielzahl von Möglichkeiten: Welche Entscheidungen müssen wir treffen? Wie sollen wir einem heutigen Publikum Musik präsentieren, die eine ganz andere Funktion hatte und in einem ganz anderen Kontext stand?
Machen wir uns nichts vor: Unsere Lesart der Vergangenheit ist eine ausgesprochen aktuelle Lesart ... wie könnte es auch anders sein? 

Ein historisch informiertes Dirigat
 
Das berühmte Grove Dictionary of Music and Musicians definiert die drei Funktionen des modernen Dirigierens: 1) Der Dirigent schlägt den Takt mit den Händen oder einem Taktstock, 2) der Dirigent trifft interpretatorische Entscheidungen, die er während der Proben und des Konzerts umsetzt, 3) der Dirigent beteiligt sich an der Verwaltung des Musikensembles. War das schon immer so? Seltsamerweise wurde dieses Thema von der Barockbewegung vernachlässigt, die die hierarchische Organisation des Orchesters und seine Leitung nur am Rande in Frage stellte. 
Seit dem Mittelalter wurde Musik geschlagen. Das Schlagen war jedoch einfacher, es ging darum, dass der Sänger die Zeiteinteilung anzeigte, meist mit einfach zwei Gesten: dem Heben oder Senken des Arms. Der „Taktschläger“ gab seinen Musikern weder die Einsätze, noch hauchte er der Musik Charakter oder Geist ein, und der Musikdirektor war oft eine andere Person als der Taktschläger.
So ist es nicht verwunderlich, dass Händel es vorzog, mit dem Taktschlagen aufzuhören und sich stattdessen an die Orgel zu setzen, um seine Musiker durch das Orgelspiel viel genauer zu führen! Es ist kein Prestige, den Takt zu schlagen. Darum geht es nicht. 

Eine gemeinsame künstlerische Leitung
 
Indem Liberati die Gruppe von der Vision einer einzelnen Person befreit, gibt er jedem Musiker und jeder Musikerin die Möglichkeit und die Verantwortung, ihre Kunst auf direkte Weise zu präsentieren.
So stehen die Musikerinnen und Musiker dem Publikum ohne Vermittler gegenüber. Ihre Kommunikation beruht auf gegenseitigem Zuhören und fügt dem üblicherweise genutzten Blickkontakt zahlreiche sinnliche Dimensionen hinzu. Gemeinsam atmen, eine gemeinsame Bewegung und einen gemeinsamen Charakter finden, den musikalischen Diskurs zum Leben erwecken und bewegen - all diese Elemente werden kollektiv erfasst. Bei den Proben arbeiten die Künstler mit geschlossenen Augen und versuchen zu spüren, wie sie sich untereinander verbinden können. 
Alle spüren die Mechanismen der Bewegungsausbreitung in der Gruppe, die Einflüsse ihrer direkten Nachbarn, die Informationsweitergabe, wie sie in Tiergruppen (Fischschwärme, Zugvögel usw.) vorkommt. Sie werden sich ihrer eigenen Verantwortung bewusst, wann ihre Rolle darin besteht, zu führen, und wann sie folgen müssen. Momente, in denen es ihnen erlaubt ist, Vorschläge zu machen oder im Gegenteil auf einen musikalischen Vorschlag zu reagieren. Sie müssen ihre Ohren und ihr Herz stets weit offen halten und für jede Stimme, die sich erhebt, verfügbar sein. 

Organisation des Orchesters
 
Inspiriert durch den Reichtum der ersten musikalischen Erfahrungen fragen sich die Künstler, wie sie das Leben des Ensembles mit den verschiedenen Mitgliedern des Orchesters verwalten können. Dieser Paradigmenwechsel zu einer Zeit, in der das kollektive Unterbewusstsein in allen Bereichen (Politik, Kunst usw.) durch eine Führungsfigur beruhigt wird, ist bezeichnend mächtig: Die „Visitenkarte“ des Ensembles beruht nicht mehr auf einer Persönlichkeit, sondern auf der Vielzahl der Individuen und Kräfte, die im Spiel sind. Das Kollektiv wird zu einer eigenständigen Entität. 
Ende 2024 organisiert sich ein Kollektiv von Musikern und Musikerinnen, um diese künstlerische Erfahrung zu verlängern und sie auf die Strukturierung des Ensembles selbst sowie auf seine administrative und logistische Funktionsweise auszudehnen: Liberati ist geboren. In der Tat ist die Wette, die in der Ausweitung des kollektiven Spiels auf alle Bereiche (Verwaltung, Produktion, Verbreitung usw.) liegt, eine immense Herausforderung. Ist es möglich, nach dem Vorbild sozialer Tiere (bestimmte Insekten, Fische, Säugetiere, Vögel) aus den hierarchischen Modi auszubrechen und sich eine alternative Organisationsform vorzustellen, die es ermöglicht, die Beziehungen zwischen den Mitgliedern einer Gruppe anders zu denken und diese gemeinsamen Werte kollektiv umzusetzen? 

Grundsätze der Organisation
 
Es wird auf eine dezentralisierte Arbeitsweise gesetzt. In Anlehnung an die Prinzipien der Holakratie organisiert sich die Gruppe selbst in verschiedenen Kreisen, die wiederum aus verschiedenen Rollen bestehen. Es gibt sechs Kreise (Governance, Stewardship, Kommunikation, Künstler, Partituren und Texte, Visuelle Wirkung). Es werden kooperative Prozesse durchgeführt, um jedem und jeder die Möglichkeit zu geben, Initiativen zu ergreifen und diese zu teilen. Jede Entscheidung wird von der Gruppe nach einer genauen Funktions-Charta diskutiert. Die Treffen werden in einem Rhythmus abgehalten, der der Funktionsweise des jeweiligen Kreises entspricht, und die verschiedenen zu erledigenden Aufgaben werden unter den Mitgliedern aufgeteilt. Die Rollen können sich jederzeit ändern und jeder kann sich dafür entscheiden, je nach seiner Fähigkeit, sich einzubringen, mehr oder weniger Verantwortung zu übernehmen. 
Während ein Standardorchester die administrativen und künstlerischen Belange verschiedenen Angestellten anvertrauen und sie sorgfältig voneinander trennen würde, entscheidet sich Liberati stattdessen dafür, dass die Künstler selbst in das Funktionieren des Ensembles investieren und dadurch in jeder Hinsicht ein größeres Bewusstsein erlangen.  

 Diese Arbeit der Konzertintelligenz bringt ein anderes System hervor: einen befreienden Prozess, dessen Grundlagen politisch und dessen Manifestationen künstlerisch sind und der strukturelle Auswirkungen auf den Klang des Orchesters und die Musikalität des Ensembles hat. Er gibt dem Begriff „Konzert“ selbst als einer Erfahrung künstlerischer und menschlicher Konzertierung eine neue Bedeutung. Wir sind daher sehr gespannt, ob das Publikum und die Programmgestalter sich ebenso befreit fühlen werden, diese Bewegung, die Gewohnheiten verändert, zu begrüßen, wie wir Künstler, die sie ins Leben gerufen haben. 

 Johanne Maître, Marie Lerbret and Marc Meisel